SOCRATES

Sócrates  fue un filósofo griego del siglo IV a.c. considerado como uno de los más grandes, tanto de la filosofía occidental como de la universal. Fue el maestro dePlatón, quien tuvo a Aristóteles como discípulo; estos tres son los representantes fundamentales de la filosofía griega.
   Su máxima fue era "SOLO SE QUE NO SE NADA". Sócrates no escribió ninguna obra, debido a que no sabía leer ni escribir, po creía que cada uno debía desarrollar sus propias ideas. Conocemos en parte sus ideas desde los testimonios de sus discípulos: Platón, Jenofonte, Aristipo y Antístenes, sobre todo. Tales testimonios no son convergentes, por lo que no resulta fácil conocer cuál fue el verdadero pensamiento de Sócrates.
   Hace unos días se nos Sócrates quien fue el mejor centrocampista que jugó en la selección brasileña de Zico, en el Corinthias y en la Fiorentina.
   Medía 1.90m. y tenía un pie con el número 38.
   Desde aquí los que concebimos el programa de CÓDIGO CRÍTICO, que tanto el filósofo, que no sabía leer ni escribir, como el futbolista se puede ser GRANDE AUNQUE CON PIES DE BARRO.

LA MIERDA DE ARTISTAS

     En mayo de 1961  el artista italiano conceptual Manzoni creó 90 latas pequeñas y selladas con el texto Mierda de artistas. Cada 30 gramos puede tenía un precio en peso basado en el valor actual del oro (alrededor de 1,12 dólares el gramo en 1960).  El contenido de las latas siguen siendo un enigma muy discutido, ya que su apertura sería destruir el valor de la obra de arte . Diversas teorías acerca de los contenidos han sido propuestas, incluyendo la especulación que se trata de yeso.  En los años siguientes, las latas se han extendido a diversas colecciones de arte de todo el mundo y le produjo grandes precios, superando con mucho la inflación. El más reciente puede ser subastados, número 19, vendió el 26 de febrero de 2007 en los EE.UU. por $ 80.000. . Fue descrito como:

       Es una broma, una parodia del mercado del arte, y una crítica del consumismo y los desechos que genera."

   En las últimas semanas en este país llamado España, han salido casos de corrupción que mirando hacia arriba, abajo, derecha, izquierda, han salpicado a una sociedad que está marcada por una elevada tasa de paro y pobreza.

   Proponemos desde el espacio CÓDIGO CRÍTICO, embaular a todos los corruptos en las mismas latas que contienen la mierda del artista de Manzoni para que al menos podamos salir de la difícil situación en la que se encuentra este hermoso país

EL ULTIMO HURRA

    Frank Skeffington, alcalde de una ciudad innombrada de Nueva Inglaterra, se prepara para presentarse a las elecciones del que sería su último mandato. Anciano y viudo, de origen irlandés y hecho a sí mismo desde sus humildes comienzos en los suburbios, desea que su sobrino Adam, periodista, siga su campaña para que vea cómo funciona la política desde dentro. En parte ve en él al hijo ideal que no puede contemplar en su retoño, Fran Jr., joven frívolo y egoísta. Aunque Frank tiene a veces formas de resolver los problemas poco ortodoxas, Adam no puede dejar de reconocer su grandeza de corazón a la hora de llenar el velatorio del marido una vieja amiga, o de presionar a los bancos para que apoyen su proyecto de viviendas en una zona deprimida de la ciudad.
    Esta maravillosa película dirigida por el incomparable Jonh Ford, nos pone de manifiesto lo que en este país llamado España ha vivido en las últimas semanas. LA ELECCIONES GENERALES.
    Así pues, desde este programa, Código Crítico le damos la enhorabuena a D. Mariano Rajoy así como el mejor de los deseos al Presidente saliente en su nueva andadura.
     Y que dios o los astros nos lleve al menos a una situación mejor de la que en la actualidad padecemos.

LA PRIMA DE RIESGO

 Vaya semanita que nos está dando la prima de riesgo. Este que os habla es un neófito en economía pero los entendidos viene a decir que por cada euro que pide Alemania, nosotros debemos de pagar cuatro euros y medio más de intereses que los bonos alemanes.

   No debe ser español (mejor dicho, no debe pagar sus impuestos en España) el anónimo coleccionista que acaba de adquirir en Christie’s la obra ‘Faena de muletas’ de Miquel Barceló, vendida por casi 4,5 millones de euros. Un cuadro perteneciente a las series taurinas del mallorquín que le ha convertido en el artista español vivo más cotizado, superando a Antonio López y su ‘Madrid desde Torres Blancas’, que colgaba en las paredes de la galería Marlborough durante la pasada edición Arco y que ha sidoexhibido en el Museo Thyssen en la exposición antologica del veterano pintor de Tomelloso.

    Hay una tremenda crisis en el mercado artístico, pero no parece afectar a las grandes fortunas, aunque se preocupen tanto por la prima de riesgo y por otras relaciones familiares. De hecho, en Christie’s han expresado su satisfacción por las ventas del citado lote: 88 millones de euros, incluyendo obras de Juan Muñoz, Freud, Bacon y Warhol, entre otros. Aquí no hay primas, ni déficit, ni bonos que valgan. Solo, quizás, algunos primos.

AL PRINCIPIO FUE EL CRIMEN

       Pocos sucesos ocupan un lugar tan privilegiado en el corazón de los amantes de los cómics como las audiencias del Senado de EEUU (1951) para investigar la posible relación entre los tebeos y la delincuencia juvenil. Aunque las conclusiones no fueron tan dramáticas como algunos creen, obligaron a la industria a adoptar un código de conducta  vigente hasta hoy. La medida provocó una caída en picado en la calidad y las ventas y se sigue considerando, como lo fue el Código Hays en el cine, un caso de censura con otro nombre.
      Aunque la historia siempre recuerda cómo la medida condenó al medio a un regreso al infantilismo que obligó a refugiarse en otros contenidos más tolerables (como los superhéroes), lo cierto es que las editoriales tuvieron parte de culpa de lo que se les vino encima.
 Y es que el cómic ['El Crimen No Paga (Todo historias criminales auténticas)'] nació en 1942 de la mano del editor de tercera fila Lev Gleason, un tipo tan dotado para los negocios como para los tebeos. 
      La palabra clave era realismo. "A los chicos les gusta el detalle", solía decir Biro a sus colaboradores. "Olvidaos del arte: id a por los detalles, los matices: balas que atraviesan las cabezas, cerebros que saltan por detrás...
      Con el tiempo casi todos los colaboradores terminaron en el fondo del hampa haciendo clave la premisa del propio cómic EL CRIMEN NO PAGA.

AL PRINCIPIO FUE EL CRIMEN

       Pocos sucesos ocupan un lugar tan privilegiado en el corazón de los amantes de los cómics como las audiencias del Senado de EEUU (1951) para investigar la posible relación entre los tebeos y la delincuencia juvenil. Aunque las conclusiones no fueron tan dramáticas como algunos creen, obligaron a la industria a adoptar un código de conducta  vigente hasta hoy. La medida provocó una caída en picado en la calidad y las ventas y se sigue considerando, como lo fue el Código Hays en el cine, un caso de censura con otro nombre.
      Aunque la historia siempre recuerda cómo la medida condenó al medio a un regreso al infantilismo que obligó a refugiarse en otros contenidos más tolerables (como los superhéroes), lo cierto es que las editoriales tuvieron parte de culpa de lo que se les vino encima.
 Y es que el cómic ['El Crimen No Paga (Todo historias criminales auténticas)'] nació en 1942 de la mano del editor de tercera fila Lev Gleason, un tipo tan dotado para los negocios como para los tebeos. 
      La palabra clave era realismo. "A los chicos les gusta el detalle", solía decir Biro a sus colaboradores. "Olvidaos del arte: id a por los detalles, los matices: balas que atraviesan las cabezas, cerebros que saltan por detrás...
      Con el tiempo casi todos los colaboradores terminaron en el fondo del hampa haciendo clave la premisa del propio cómic EL CRIMEN NO PAGA.

YA SOMOS 7.OOO MILLONES

    Es niña, se llama Danica May Camacho y pesó dos kilos y medio al nacer al filo de la medianoche . Cada segundo vienen al mundo dos niños, pero la ONU escogió a la pequeña Danica May como el simbólico “bebé 7.000 millones” que ayer llevó la población del planeta a tan astronómica cifra, el doble de los 3.500 millones censados a mediados de los 60.
     A tenor de las previsiones del Fondo para la Población de Naciones Unidas (UNFPA), en 2025 habrá 8.000 millones de personas en la Tierra y 10.000 millones antes de 2100, con los consiguientes retos para alimentar a tanta gente en una planeta con los recursos limitados.
   Así pues, dado que este programa está relacionada con la cultura, resulta evidente que nuestros mandatarios deben de planificar las viviendas en el espacio o en el mundo submamarino como ponía de manifiesto el escritor Julio Verne, o las novelas de Arthur C. Clark, o de Isaac Asimov.
   Pero nos parece que con lo que está cayendo en el plano económico, nos vamos que tener que apretujar para que quepamos todos.

EL POIBLE SUICIDIO DE VAN GOGH

Luego de estudiar miles de documentos, Steven Naifeh yGregory White Smith, autores del libro “Van Gogh: La Vida”, concluyeron que el pintor fue alcanzado por el disparo de René Secrétan, un joven de la localidad, cuando se lo encontró en un campo de trigo al que solía ir a pintar.

De acuerdo con la biografía, el pintor volvió tambaléandose hacia la posada Ravoux donde se alojaba, en la que murió 30 horas después, y asumió la culpa del acto para proteger al joven.

La versión del suicidio, según los autores de la biografía, no calza con la opinión que el artista tenía del acto, que había tachado de “cobarde” en sus cartas, ni con el tipo de disparo oblicuo en su pecho, pues hubiera sido en línea recta si Van Gogh le hubiera dado al gatillo.

Esto nos lleva a una nueva teoría del suicido o no, del artista de los girasoles, si bien a los que estamos interesados por el mundo del arte nos interesa tan solo la influencia que tuvo en en los Expresionistas.

así pues, dejemos que Van Gogh descanse en paz.

QUE BELLA ES LA EDAD DEL PAVO

      Las playeras, el acné, los gallos, las chicas con los chicos, los aparatos, los primeros discos, películas, y si acaso libros... La casita del árbol, o la casa de cartón (¿quién ha tenido una?) y los juguetes, que se quedan muy tirados (como bien se ve en 'Toy Story').
      Como dice el articulista Fernando Iwasaki: "No sé si todo el mundo estaría dispuesto a reconocerlo, pero durante la adolescencia tomé decisiones muy importantes: elegí las Humanidades, aprendí idiomas, descubrí a Borges, comencé a escribir y entré a la universidad con apenas 16 años. Todo ello sucedía mientras conseguía mis primeros trabajos y me enamoraba en vano de todas mis compañeras.
      La adolescencia es una edad crucial y debemos de tenerla presente, en ella leimos Lazarillo de Tormes, las novelas de Stevenson, o El guardián sobre el centeno.
      Dado que aquí hablamos de arte, Velázquez en su adolescencia ingresó en la escuela de pintura de Pacheco, quien descubrió sus buenas dotes para ser posteriormente su yerno.
      Dali ingresó en la Escuela de BB.AA. de San Fernado y el mismo Picasso, seguía los pasos que su padre Pablo Ruiz (el pintor de palomas), le había inculcado.
     Debemos  pues, a todos aquellos que somos padres hacer que nuestros hijos consigan  ver el camino que al final van a desarrollar en la vida adulta.

SGAE

!!!!30 MILLONES DE EUROS!!!
 Los imputados que están siendo investigados por la fiscalía en la Sgae (sociedad general de autores), destinaron fondos a la compra y alquiler de coches,viajes (hay facturas de hoteles como el Ritz de Nueva York), regalos, joyas e, incluso, compras comunes en el supermercado o facturas del gimnasio. De hecho, los informes realizados por la Agencia Tributaria y la Guardia Civil definen los gastos como “propios de una economía doméstica”.
 El Sr. Tedy Bautista y Neri, responsables de este dispendio, recaudando los impuestos efectuados a la música de las bodas, bautizos, comuniones, peluquerías, etc., estarían comiéndose las uñas si hubieran podido hacerse cargo de las carnes de membrillo, donde se representaban las pinturas de Murillo, o  los almanaques en los que se reflejaban las mujeres cordobesas de Julio Romero de Torres, a los que tanto daño se le han hecho.
   Es fundamental  que se reforme esta Sociedad y que defienda verdaderamente a los artistas.


  QUÉ BARBARIDAD!!!

WOODY ALLEN, EL AMERICANO QUE MIRA A EUROPA

Por cómico que parezca, y aunque sus primeras obras vienen dadas por su admiración a la comedia americana de los Hermanos Marx o Bob Hope, Woody Allen gusta del cine, profundo, comprometido, y desde luego europeo. Tal y como ha declarado en numerosas ocasiones, las películas americanas que podía ver en su infancia eran puro entretenimiento, y descubrir un cine diferente, adulto e inteligente, que llegaba de Europa, supuso para él una “maravillosa experiencia”. Declarado su amor por Renoir, De Sica, Buñuel y Fellini entre otros, confiesa que quien más le emociona es Bergman. Este director sueco ha influido tanto en su obra, que a menudo vemos cómo hasta los diálogos pasan casi literalmente de una película a otra. Pero lo que es realmente interesante para él, (y esto es lo que interesa a Allen), es el interior de las personas y el lenguaje cinematográfico que utiliza para expresarlo. En “Annie Hall” vemos un relato donde el protagonista realiza un viaje al pasado intentando buscar las respuestas de un presente que le atormenta, algo  puramente bergmiano y tema que va a retomar posteriormente (“Otra mujer”, “Alice”, “Delitos y faltas”…).

En “Interiores” la presencia de Bergman será absoluta, no sólo se hacen referencias visuales, sino que realizará una obra de ensayo sobre la muerte, la incomunicación, la religión,  lo más recóndito del alma humana y, en definitiva, sobre todo aquello tan presente en el universo de Bergman. Los personajes masculinos se nos muestran moralmente deshechos y atormentados, mientras las mujeres son fuertes y de gran personalidad. Todo, incluso la fotografía, es realizada al más puro estilo del autor sueco.

“Hannah y sus hermanas” es también un homenaje a todo ese mundo. La relación de tres hermanas muy diferentes entre sí y que ocultan bajo una apariencia normal, se preguntan una y otra vez sobre las grandes tragedias humanas y el sentido de la vida. Reflexionar sobre los valores espirituales, la fe y  los sentimientos es lo verdaderamente importante. También muestra admiración por los pensadores europeos, dejando entrever en esta ocasión a Camus, quien pensaba que la vida era absurda, pero que requería de esfuerzos para mejorarse. De otro lado, hay también referencias concretas a “Fanny y Alexander”. La película comienza y acaba de la misma manera, con una celebración familiar, además aparece Max Von Sydow, uno de los actores fetiches de Bergman.

La sombra de este autor va a alargarse aún más, y así  nos llega “La Comedia Sexual de Una Noche de Verano”,  que estará a medio camino entre la obra de Shakespeare  y “Las Sonrisas de Una Noche de Verano” (Bergman, 1955). Ambas tienen un argumento similar, se desarrollan en verano, en una casa de campo y nos presenta a tres parejas y sus muchos líos emocionales. El final es puro Bergman al ser los personajes conducidos a un camino sin retorno.

“Septiembre” se lo debe todo a “Sonata de Otoño” (Bergman, 1978). Las semejanzas entre ambas son evidentes. Las dos son un drama psicológico que nos muestra a una madre que ha sacrificado el amor de su hija a favor de su carrera profesional. La desunión familiar, el rencor y el trauma del pasado son los temas que componen esta historia. La personalidad de los personajes es tan similar como la propia estética que usan (misma ropa, mismas gafas…).

En “Otra mujer”, Woody Allen va más lejos en su “homenaje” al director sueco; en esta ocasión el modelo a imitar será “Fresas Salvajes”. Ambas son iguales tanto en el tema como en la técnica, siendo tremendamente significativo el hecho de que comiencen de la misma manera: monólogo del personaje principal, fundido a negro y comienzo de los títulos de crédito.

Este amor a Bergman se seguirá viendo a lo largo de la extensa filmografía de Allen, quien también se declara admirador de Fellini, su modelo a seguir  en obras como “Recuerdos”, “Alice” y “Días de Radio”. La primera sigue la trama de “Ocho y Medio” y hace una reflexión sobre un cómico que ya no tiene ganas de reírse y que no es otro que el propio director americano, mientras que Alice es la Giulietta felliniana  de “Giulietta y los Espíritus”.

Pero el “copiador” también será copiado, y a su vez todo este cine va a ejercer influencias sobre nuevos creadores del panorama actual, pero esto ya es otro tema.

                                            Sevilla, Junio-2011

ARTE DE LORCA

  El paulatino paso del tiempo, el acontecer de los sucesivos hechos históricos y la importancia de una ciudad como Lorca son las razones por las que esta urbe del territorio murciano cuenta con una larga y rica lista deelementos patrimoniales que atestiguan su grandeza y relevancia a lo largo de la  historia.

    Destacan sobremanera su impresionante fortaleza militar o Castillo de Lorca, símbolo de la tierra de frontera bajo medieval, y la antigua colegiata de San Patricio, erigida en el siglo XVI para conmemorar la batalla de los Alporchones. Es en la actualidad la construcción religiosa más importante de la ciudad y la segunda de la Región.

    Dentro del ámbito de la arquitectura civil en el periodo barroco en la ciudad de Lorca, el Palacio de Guevara,y en especial su majestuosa portada, concebida a modo de retablo, sobresale como una de las manifestación más importantes de este etilo artístico en la Región de Murcia.

    A estas maravillas arquitectónicas se les suman otras muchas, tales como el edificio del Ayuntamiento, elCasino de la ciudad, la iglesia de San Francisco o el conjunto monumental de Santo Domingo.

     Es esta la entradilla que tiene lugar en la web de Murcia Digital.

     Hace una semana que como sabemos ha tenido lugar un fuerte terremoto en la localidad de Lorca con la pérdida de 9 vidas humanas y de un derrumbe  de casas y del patrimonio de la localidad murciana.

       Todos los políticos sin excepción han acudido para demostrar su solidaridad, haciendo promesas que...

        Bueno estaremos atentos, y esperamos que sean más que promesas electoralistas.

            änimo lorquinos estamos con todos ustedes.

EL PEPINO DE GIUSEPPE ARCINBOLDO

  GIUSEPPE ARCINBOLDO  fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos. Se especializó en los "caprichos" alegóricos, pinturas en los que las naturalezas muertas, los conjuntos de flores, frutas, mariscos o peces, estructuran figuras simbólicas de los elementos o las estaciones.
   Como todos sabemos una de las más famosas pinturas de Arcimboldo es la de la cara del hombre realizada con frutas de todo tipo.
    Hace dos semanas que ha tenido lugar una intoxicación de una bacteria de nombre E. coli, en los países de Alemania, Austria, EE.UU., en donde han fallecido quince personas.
     Una senadora alemana de la ciudad de Hamburgo, tuvo la incontinencia verbal de acusar a los pepinos españoles del origen de la bacteria.
     Como si se tratase de un efecto dominó, han sido devueltos todos los camiones que transportaban verduras, frutas y por supuesto los pepinos cultivados en nuestra querida Almería.
     Ahora resulta que después de los análisis realizados a los pepinos no son la causa de tal infección.
     Señora senadora alemana, espero que la próxima vez que usted hable, tenga presente los daños altamente elevados (200 millones de euros por semana), que ha causado a nuestra maltrecha economía.
    Y además confío, que siempre que usted vea un cuadro de Arcinboldo, le entre los mismos  "apretujones ", como  si se hubiese comido las frutas y verduras de la cara del cuadro del pintor.

LA FRAGUA DE VULCANO

   En la fragua de Vulcano que enla mitología romana es el dios del fuego y los metales, de Diego Velázquez,  trata de una escena en la que se nos muestra al dios mitológico Apolo, en el momento de comunicar al dios Vulcano que su esposa la diosa Venus, le está siendo infiel con el dios de la guerra, Marte. Recoge justamente el momento del “chivatazo”, por lo que recoge el choque psicológico que el hecho provoca en los que lo escuchan. Es el episodio burlesco del marido engañado, muy propio de la postura antimitológica de los pintores españoles del Siglo de Oro.
  Hace una semana que en Islandia está teniendo lugar la erupción de un volcán que está afectando al tráfico aéreo de Europa.
   Como es sabido este sábado tiene lugar la final de Champion Leage en donde el F.C. Barcelona se enfrenta al Mancherter United.
  Los jugadores del Barcelona ya se encuentran el la ciudad londinense utilizando para ello medios alternativos a fin de llegar sanos y salvos.
  Este que os escribe, es más bien seguidor del equipo blanco que del azulgrana, por lo que espera que cómo en el cuadro de Velázquez tanto Messi, o el  shakiro Piqué se queden tan extrañados como los de la fragua de Vulcano, ante el posible penalty que el árbrito le pite en contra, por mucho que sean los dioses del fútbol.


   

“HISTORIAS MÍNIMAS” SOBRE CINE ARGENTINO

Las primeras proyecciones llegan a Argentina poco después de que éstas se vieran en París allá por 1896. A partir de aquí, comienza a formarse una industria que se afianzará en la década de los años treinta, llegando a alcanzar un gran prestigio que durará un par de décadas más. Es en estos momentos, y precedido de una crisis financiera, cuando comienza un declive que lleva a cerrar estudios, disminuyendo de esta manera la producción, que tampoco se ve muy favorecida en cuánto a talento se refiere.

Ya entrados los años cincuenta, se produce un resurgimiento del cine con directores como Leopoldo Torre Nilsson, que viniendo de una familia ligada a este medio, siempre tuvo muy claro lo que quería hacer, mostrando predilección por las adaptaciones literarias. Claro ejemplo de esto es su “Boquitas pintadas”, cuyo guión escribió conjuntamente con Manuel Puig, autor de la novela. La película fue ganadora del premio del jurado en el Festival de San Sebastian de 1977.

A partir de aquí la cosa no ha hecho más que evolucionar y acaparar premios internacionales tan prestigiosos y mediáticos como los recibidos en Cannes o Hollywood.

Argentina es un país que ama el espectáculo en todas sus facetas, apasionados y seguros de sí mismos se desnudan sin pudor, ofreciéndonos películas que son un retrato personal y social de ellos mismos.

En “La Historia Oficial”, (Luis Puenzo, 1985), se nos cuenta de manera estremecedora las consecuencias de la dictadura argentina, un guión inteligente y unas hermosas interpretaciones por parte de dos grandes como Norma Aleandro y Héctor Alterio la hicieron ganadora de un Oscar. Esta época negra vuelve a tratarse en otra película magistral, y más desgarradora aún si cabe, como es “La Noche de Los Lápices” (Héctor Olivera, 1986), magnífico testimonio político que debería ser visto por todos para nunca olvidar el horror que supone estar sometido a una dictadura militar y a la falta de libertades.

Este mismo año, y como revulsivo a tanto horror, se estrena “Esperando la Carroza”, (Alejandro Doria) hora y media de risas continuas por lo exagerado y grotesco de las situaciones dadas, y que no es más que un fiel reflejo de una clase social poco favorecida.

Ya en los noventa, aparece una nueva corriente que se llamará Nuevo Cine Argentino, donde la independencia de los realizadores (Pablo Trapero y Martín Rejtman entre otros) van a marcar una tendencia que alcanzará sus mayores éxitos ya entrado el siglo XXI. Antes de que esto llegue aparecen directores como Aristarain con “Un Lugar en el Mundo”, hermosa película llena de poesía e historias pequeñas que resumen la propia vida, a la vez que expone con gran frescura y naturalidad un discurso político y social que nos hará posicionarnos al lado de los perdedores.

Más reciente es “El hijo de la Novia”,  de Juan José Campanella, que triunfa poniendo de acuerdo a público y crítica. El humor, la ironía y el drama asoman a través de unos diálogos llenos de ingenio. Entrañable y emocionante hasta las lágrimas. De este mismo director es “El secreto de tus ojos”, ganadora de un oscar, de la que ya se ha dicho todo y QUE SIGUE ATRAYENDO A LOS que sigue atrayendo a los públicos.

El cine argentino es pequeño, intimista y siente predilección por las “Historias Mínimas”, otra gran película, (Carlos Sorín) compuesta de tres historias, tres vidas, tres ilusiones. Todo muy pequeño en esa extensa tierra que es La Patagonia donde transcurre el diario de estas gentes. Historias pequeñas pero  insuperables en ingenio, ternura, sentimientos y  valores cada vez más difícil de encontrar. Películas que siempre nos van a sorprender, y por simples que sean los argumentos, estos son dotados de un contenido inmenso. Tal es el caso igualmente de “Conversaciones con Mamá”, (Santiago Carlos Oves, 2004), película de corte teatral, llena de diálogos donde la sabiduría de la senectud arremete contra la actual sociedad de consumo. Muy recomendable.

Un director joven y de talento es Daniel Burman que cuenta con una gran filmografía que le ha llevado por festivales de todo el mundo. “El Abrazo Partido”, “Derecho de Familia” y “Dos Hermanos” son pruebas de ello.

Y no se puede hablar de este cine sin mencionar a los actores que tanto lo han engrandecido.  Además de los citados  al comienzo, Argentina cuenta con un plantel  donde están Federico Luppi, Ricardo Darín, China Zorrilla, Grandinetti y muchos más que a menudo consiguen un estado de gracia que les llevan a interpretaciones inolvidables.

Y si alguien se anima a ver algunas de éstas películas, deberá ser paciente los primeros quince minutos en los que el acento nos va a poner prueba. Al final habrá merecido la pena. Será “relindo, ché”.

                                                      Sevilla, Mayo-2011

GRAN SORTEO ANIVERSARIO

Nuestro programa, pronto cumplirá un año en Radio Guadalquivir, para celebrarlo con nuestros oyentes, y gracias a la editorial sevillana “Cangrejo Pistolero, ediciones”, vamos a repartir poesía y buenas ilustraciones por todo el mundo.

Los editores Antonio G. Villarán, ‘Cangrejo Pistolero’, y Nuria Mezquita, ‘Dalton trompet’, nos han ofrecido 10 ejemplares seleccionados de entre las 7 colecciones de su editorial para que sean sorteados entre nuestros oyentes. Si queréis participar, el plazo estará abierto hasta el 29 de junio a las 24:00 hora peninsular española. Nuestra dirección de correo electrónico es codigocritico107.5@gmail.com , además de lo que se os venga en gana decirnos, tenéis que escribir vuestro nombre completo y la dirección donde queréis que os mandemos el libro, si tenéis suerte.

Que la tengáis.

La directiva y la canalla obrera.

LA IMPORTANCIA DEL EXPRESIONISMO EN EL CINE: DE FRITZ LANG A ORSON WELLES.

El expresionismo es una corriente artística que busca expresar sentimientos y emociones más allá de toda realidad objetiva, indaga en lo más profundo del ser humano sacando los sentimientos más íntimos y las emociones más recónditas para plasmarlas después en escenas reveladoras de una gran tragedia interior. Este movimiento afecta por igual a la pintura, la música, el teatro e incluso al cine que se verá  muy influenciado por artistas como Munch o Kirchner.

La película expresionista más relevante es “El Gabinete del Dr. Caligari”, fue pensada en un primer momento para ser dirigida por Fritz Lang que no podrá hacerse cargo por compromisos profesionales. Así, pasa a manos de Robert Weine, hombre cuya formación teatral será muy relevante sobre todo a la hora de crear los decorados, ya que la película se rodará íntegramente en  interiores. Estos, totalmente desfigurados con perspectivas que se falsean, con una luz que aparece pintada, con una actuación exagerada de los actores y un uso desmesurado del maquillaje, junto con una planificación de la cámara muy peculiar, nos muestra un cine sumamente pictórico: es como sentir un cuadro en movimiento. Posteriormente Lang rodará “Metrópolis”, visión futurista de una ciudad llena de máquinas destinadas a servir a los señores mientras que los obreros viven en una ciudad subterránea de auténtica pesadilla. Primera película de ciencia-ficción de la historia y de nuevo la evidencia de la angustia existencial.

Este tipo de cine es interesante por sí mismo, pero también por las influencias posteriores, así el cine de terror y el cine negro americano serán un claro ejemplo de ello, ya que se nutren de muchos logros del expresionismo, como el uso de la luz en la creación de ambientes oscuros y sombríos, donde las angustias, miedos y fobias de los personajes hallarán su hábitat natural.

El cine negro americano surge en los años cuarenta, dos décadas después. Se ve propiciado por la llegada a Hollywood de directores alemanes que se exilian allí como Lang, Curtiz o el austriaco Josef Von Sternberg, los cuales traen nuevas técnicas de rodaje sobre todo en cuanto a la iluminación se refiere (encaminada siempre a potenciar el retrato psicológico de los personajes, creándose así las primeras películas de este género).

 La desilusión vivida por los alemanes tras el profundo cambio social que se produce anterior a la primera guerra mundial, y que los lleva a ser una sociedad industrializada, donde obreros son reemplazados por máquinas, y el desequilibrio que esto conlleva, podría extrapolarse a la América de los años cuarenta. Estados Unidos ha salido de una crisis económica pero  está amenazada por una guerra, va a convertirse en una potencia mundial y a la vez la corrupción se apodera del país creándose un clima de desencanto y pesimismo que los cineastas de la época van a contemplar. En definitiva, el cine negro va a reflejar la realidad de un país al igual que lo hicieran ya los expresionistas, así como los desgarros que conlleva un cambio social violento.

Otro punto común a ambos géneros es la sensación del espectador de vivir un mal sueño; la violencia, el crimen, la muerte y en definitiva el horror aparecen de forma reiterada. Para situar todo esto se crean atmósferas  tenebristas donde predominan los juegos de sombras y los claroscuros, efectos de gran impacto en el blanco y negro.

Destacar también el papel de la mujer en el cine americano. Esta será una auténtica “femme fatale” que proyecta  una imagen que nada tenía que ver con el papel de amas de casa que venían desempeñando en la sociedad de la época. Ahora son ambiciosas, destructivas y desafiantes, dispuestas a todo, y no precisamente por amor.

Todo lo expuesto se materializa en películas como “El Halcón Maltés” de John Houston con un inconmensurable Bogart. “El Sueño Eterno”, película redonda que contó con los mejores guionistas del momento y con una banda sonora insuperable y “La Dama de Shangai” de Orson Welles. A él se le atribuye el honor de cerrar este periodo del cine con la que se considera la última película del género: “Sed de Mal”. Otra gran obra es “El Tercer Hombre” donde su director, Carol Reed, reinventa el expresionismo con una puesta en escena de gusto barroco tan característica de este estilo.

Todas ellas grandes obras que desafían el paso del tiempo manteniéndose  en lo más alto. Buen momento para verlas de nuevo, y a quién le guste fumar que lo haga con un cigarrillo emulando así  a Humphrey Bogart, que tanto aportó a la estética  del film noir. Por suerte ningún idiota se lo impidió.

                                                       Sevilla, Mayo-2011

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ARTE Y AGUA

   Jason de Caires Taylor es uno de esos artistas que aparecen de tanto en tanto, de los pocos que realmente reivindican al arte como una expresión sublime. No tiene las pretenciones de gloria de otros autoproclamados geniecillos y ha creado una de las visiones más imponentes, dejándose ayudar por la madre naturaleza. Las esculturas bajo el agua de Jason son una visión que no te pueden dejar indiferente.

  Utilizando la mismísima naturaleza como aliada, resaltando el proceso ecológico natural, "Jason explora las relaciones intrínsecas que existen entre arte y medioambiente. Sus trabajos se convierten en arrecifes artificiales, atraen vida marina, a la vez que ofrece al visitante un encuentro temporal privilegiado, mientras la arena del fondo del océano y los trabajos cambian de un momento a otro."

  En su obra es normal ver cómo podría ser un bodegón con mesa incluido, antes de pasar a las aguas marinas y cómo quedará con el paso del tiempo con sus conchas incrustadas, a modo de pecio.

   Hace una semana que ha terminado la Semana Santa, !!NO HA DEJADO DE LLOVER!!!, es como si  los imagineros MARTÍNEZ MONTAÑÉS, JUAN DE MESA, SEBASTIÁN SANTOS, CASTILLO LASTRUCCI...

  Se hubieran puesto de acuerdo con Jason de Caires , para que hubiésemos podido apreciar la maravilla que supone ver al Gran Poder, El Cristo de los Estudiantes, o la mismísima Macarena debajo del agua.

  En fin, no flipemos, esperaremos un año más a ver si hay más suerte.

  Si bien es altamente recomendable la exposición de Caires aunque sea en el fondo del mar. 

   

GERÓNIMO Y EL ARTE.

Pocas  moradas en el mundo se prestan a tanta imaginación como los tipis de los indios americanos de las planicies del norte, es quizá la más pintoresca y colorida de todas las construcciones móviles. Confortable, espaciosa, muy bien ventilada ideal para una vida errante que era la característica de estos pueblos cazadores y pescadores. No se necesita ser un artista para apreciar la belleza de forma y fuerza de línea de estas construcciones que, algún día, los españoles describieron como altas y bellas. Es una forma bella y de manera paralela es utilitaria exhibiendo conceptos de confort muy básicos y con fundamentos ahora bien conocidos, que aún nuestras construcciones modernas están lejos de lograr con tanta efectividad.

El arte y la arquitectura de los pueblos indios de América del Norte no respeta las fronteras político-administrativas, reconoce mas bien al medio ambiente y a la tradición. Los paisajes y sus recursos naturales, así como los grupos sociales, sus culturas y lenguas, son los que en última instancia conforman al unísono sus manifestaciones de todo tipo.

Hace una semana que los EEUU., han ejecutado al terrorista más buscado del mundo, su principal enemigo.

No vamos a entrar en la moralidad de dicha acción militar pero si sobre el nombre de la operación a la que se le denominó con el nombre de GERÓNIMO.

No parece lógico que a aquel indio chiricagua, a quien le asesinaron a su mujer y tres hijos y al que le expropiaron sus tierras no intentara vengar dicha inmoralidad. Y que para colmo el fin de sus días terminaran en una reserva india  a principios del siglo XX.

Si la introducción nos ha servido hemos de tener en cuenta que para los indios americanos su mejor amigo era la NATURALEZA, y el peor enemigo era LA AVARICIA.

PAREJAS DE AMOR Y CINE

A menudo en el cine hemos visto grandes historias de amor que traspasando los límites de la pantalla, han continuado en la vida real. Aquí van unos ejemplos de ello:

Paul Newman y Joanne Woodward

…Y con ellos el equilibrio llegó a Hollywood. Esta pareja de actores se conocieron  justo cuando él saboreaba el éxito de “La Gata sobre el tejado de zinc”, y ella era una actriz que brillaba por sí misma. Se enamoraron de una manera discreta, sin hacer ruido ni alardes, y terminaron casándose en 1958. Este año se presenta lleno de suerte  para ambos. Ella ganó el Oscar por “Las Tres Caras de Eva”  y Newman recibió el premio  al mejor actor en el festival de Cannes. Han trabajado juntos en varias ocasiones, pero lo mejor de ellos como pareja profesional lo dieron cuando él decide ponerse tras la cámara y rodar “El efecto  de los rayos gamma sobre las margaritas”  y “Rachel, Rachel”, con su mujer como protagonista. La primera es un drama que deja poco lugar a la esperanza, y que demuestra la manera de entender la vida del propio director; la segunda una película intimista y conmovedora donde Newman regala a su mujer una maravillosa serie de primeros planos, y que ésta agradece con una magnífica interpretación. Uno de los hombres mas deseados del mundo y la dulce Joanne vivieron mas de 50 años de amor.

Spencer Tracy y Katherine Hepburn

Esta pareja tan dispar como poco convencional se conoció durante el rodaje de “La Mujer del Año”. El estaba casado, jamás se separó, y ella divorciada; él era católico y tradicional y ella poseía un espíritu rebelde que desafiaba a toda la alta sociedad a la que pertenecía. Pero a pesar de tantas diferencias se enamoran y viven una relación que duró hasta la muerte de él, y que estuvo marcada por su atormentada personalidad de alcohólico recalcitrante. Rodaron juntos más de ocho películas, destacando entre ellas “Adivina quien viene esta noche” (Kramer, 1968), por la que ella ganó el oscar a la mejor actriz. Esta es una divertida comedia que aunque puede parecer simple no lo es en absoluto. Por primera vez se aborda el tema del racismo en Hollywood, y a través de unos diálogos llenos de ingenio se nos pone de manifiesto el sentir hipócrita de la alta sociedad  americana. “La Costilla de Adán” y “Su Otra Esposa” son dos ejemplos más de sus trabajos juntos.

Liz Taylor y Richard Burton

Si hay una palabra que defina la relación entre estos dos actores, esta es Pasión. Ambos se conocieron mientras rodaban “Cleopatra”, se enamoraron y comenzaron una historia marcada por los excesos y los fuertes caracteres de ambos. Durante el rodaje de la mítica película de Mankiewicz  ya trascendió su escandalosa relación, y sus peleas fueron bien conocidas más allá de los platós de cine. Su vida estuvo llena de encuentros y desencuentros, se casaron varias veces y se prometieron amor eterno al más puro estilo de Hollywood. Esta intensa vida personal no lo fue tanto en lo profesional. Aparte de la película mencionada, solo trabajaron en “La fierecilla Domada” de Zeffirelli (1966), comedia sobre la lucha de sexos, muy bien interpretada por ambos y en la que quizás hicieran una recreación de su propio matrimonio.

Lauren Bacall y Humphrey Bogart

Pareja separada por 25 años de diferencia y muy unida en lo personal hasta la muerte del actor. Se conocieron en el rodaje de “Tener y no Tener” a las órdenes de Howard Hawks. Él con aire de estar de vuelta de todo y ella con una belleza nada convencional. Ambos elegantes, atractivos y poseedores de un entendimiento que traspasa la pantalla, y que se hace evidente en películas como “Cayo Largo” (John Huston, 1968), o “El Sueño Eterno” (Howard Hawks, 1946). Ambas grandes referentes del cine negro, llenas de intrigas, pasión y con unos guiones que las hacen auténticas obras maestras.

Otras parejas famosas que mantuvieron una relación personal y profesional son las formadas por Roberto Rossellini  e Ingrid Bergman (“Strómboli “y “Europa 51 “, entre otras, fueron productos de su trabajo en común), y Carlo Ponti y Sophia Loren. A él, productor de cine italiano, se le reconoce el mérito de haber descubierto y potenciado la carrera de ella para el disfrute de todos los cinéfilos masculinos. Y es que la Loren al día de hoy sigue siendo mucha Loren.

                                                                     Sevilla, Mayo-2011                                        

CINE COREANO: UN MOMENTO PARA RECORDAR

El cine coreano ha ido desarrollándose al ritmo que le ha marcado la situación social y política del país, de esta manera, en los años treinta la producción es muy escasa, apenas un par de películas por año. En los setenta la  fuerte censura  ponía cotos a la creatividad artística impidiendo así que se tratara libremente temas como la política o la homosexualidad, entre otros muchos. No será hasta ésta última década, y tras el boom económico de los noventa, cuando tiene lugar la gran revolución de este cine. Además, éste va a ser siempre muy visto y valorado por el propio público surcoreano, detalle que propiciará el resurgimiento de  un estilo muy personal, con historias novedosas que traerán aire fresco a nuestras salas y que contribuirán muy favorablemente a la economía  general del país.

Es un cine para todos aquellos que sin prejuicios quieran adentrarse en algo nuevo, distinto de lo que nos llega de Europa o América y a la vez rebosante de exotismo. Si nos decidimos a verlo hemos de tener en cuenta el contexto socio-cultural en que se mueven los directores y en los que se sitúan los personajes, mundo que a menudo nos es ajeno, y que  no siempre vamos a entender a la primera.

¿Dónde buscar el atractivo de estas películas? Primero en la variedad de los géneros,  hay para todos los gustos: bélico, terror, comedias, dramas, etc.… segundo en las historias que nos cuentan, siempre originales, sensibles y muy impactantes visualmente, y tercero en  el buen hacer tanto de realizadores como técnicos, la mayoría formados entre dos culturas, la asiática y la occidental.

Como director más conocido y siempre a la vanguardia está Kim Kim Duk, autor de “Hierro 3” y “Primavera, Verano, Otoño, Invierno”. La primera nos habla de soledades y silencios y esto se ha de interpretar de forma literal dada la ausencia de diálogos, todo se sostiene entre miradas, gestos y actitudes que se van entrelazando para ofrecernos un auténtico poema visual. La segunda es un hermoso cuento que nos lleva de paseo por la vida.

Muy diferente es Park Chan-Wook y su premiada “Old Boy”, altamente recomendable y para la que no se me ocurre mejor calificativo que el de peliculón, puro cine en el que aquella frase de “la venganza se sirve en plato frío” cobra el mayor de los sentidos. Y si cada película coreana gira en torno a un sentimiento (soledad, venganza, pena, odio…) la que nos trae el amor en su  mejor estado es “A Moment to Remember”. Profunda, tierna, con una estupenda banda sonora y unos actores llenos de verdad magníficamente dirigidos. Que nadie se la pierda, nunca llorar se hará con tanto gusto. Por último la más actual de todas, “Castaway on the Moon”, la historia de un hombre que trata de suicidarse y acaba en una isla desierta desde la que puede ver la ciudad sin alcanzarla, y la de una joven recluida en su habitación, desde la que observa todo lo que ocurre al otro lado del río. La relación que se establece entre ambos es lo que se nos cuenta aquí de una manera tan magistral como sensible, una obra maestra sorprendente. Citaré también “Poesía”,  recientemente premiada en Cannes, que te deja de piedra.

Y esta es mi corta experiencia del cine coreano. La manera más agradable de acercarnos a un país y una cultura que aunque se nos presenta  lejana,  tiene mucho que sorprendernos.

                                                            Sevilla, Mayo-2011

EL CINE…ESE INVENTO DEL DEMONIO

     El cine es la técnica de proyectar imágenes de una forma sucesiva y en movimiento, pero ante todo, el cine es un medio de comunicación con lenguaje e identidad propia. Sí es arte o no, es algo sobre lo que han debatido largo tiempo los profesionales del medio. Para Visconti, director italiano, no es un arte,  sino más bien un trabajo de artesanía, de primer orden a veces, de segunda otras. Lo cierto es que la realización de una película es algo complejo en cuyo proceso de elaboración intervienen decenas de profesionales, cada uno con un cometido diferente, que a menudo pasan desapercibidos  para el espectador. Así, cuando vemos una película prestamos atención sobre todo a la historia que se nos cuenta sin reparar en más, por lo que es conveniente desarrollar un “ojo crítico” que nos ayude a ver más allá de la simple imagen pues el cine es a menudo transmisor de valores y fuente de conocimiento.

Como nos lleguen esas historias dependerá sobre todo de la creatividad artística (directores, guionistas, actores,…), y del uso que se haga del lenguaje cinematográfico (planos, movimientos de cámara, música, etc…).

El plano es una unidad narrativa que se  rueda en una sola toma y  que se mide según el tamaño o la movilidad, y así, a grandes rasgos, podemos hablar de primeros planos, medios o generales, y también fijos o en movimiento. Cada uno de ellos se emplea con un sentido diferente, el plano general tiende a describirnos un entorno físico donde ubicarnos y el corto va más ligado a las emociones y sentimientos, de tal modo que cuando la cámara se va acercando para crear un primerísimo plano, no hace más que penetrar en el personaje, dándonos así un mayor análisis del mismo. Renoir llegó a declarar que le gustaban tanto los primeros planos que a menudo los introducía, aún no siendo éstos  significativos para el desarrollo de la trama.

Otro elemento clave es la música, igualmente de gran valor expresivo. A lo largo de la historia del cine hemos disfrutado de grandes bandas sonoras que nos han dejado recuerdos memorables, llegando a tomar  vida propia hasta el punto de desligarse de las películas. ¿Quién no recuerda la banda sonora de La Guerra de las Galaxias o Lo que El viento se llevó?. Otras veces se ha erigido en única protagonista (caso de los musicales) y en otros casos aparece ligada a la trama de tal manera que no se entiende la una sin la otra, como en algunas obras de Hitchcock.

Me gustaría destacar también el silencio como otro elemento importante en el cine moderno desde que se introdujo el sonido. Muchos profesionales lo han utilizado, así podemos ver películas en las que no se articula palabra alguna ( Nu, Dinamarca-1996) o bien los sonidos son incomprensibles (véase alguna de Tati). Otros renuncian a las bandas sonoras, por considerarlos un elemento extraño al cine.

 La composición (esto es, disponer todos los elementos del encuadre para conseguir la mayor expresividad y la mejor estética) y la luz, son también dos grandes pilares de los que dependerá el resultado final.

Pero prescindiendo de consideraciones técnicas, el cine es sobre todo entretenimiento. A  través de él podemos protagonizar grandes historias, aventuras inolvidables, viajes a través del tiempo y otros sueños que por nuestras propias limitaciones serían imposibles de realizar, y todo sin movernos de la butaca. Podemos igualmente experimentar pasiones y sentimientos de todo tipo, incluso aquellos que pueden parecernos detestables y sin tener que sentir culpa por ello. Es en definitiva una experiencia donde cada uno puede perderse o reencontrarse consigo mismo. Según Christian Metz, sociólogo y teórico cinematográfico francés, “el cine es lo más parecido a los sueños” y  ¿a quién no le gusta soñar?

                                                                                                                         Sevilla, Mayo-2011