ARTE ISLAMICO

   Por arte islámico se conoce el estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica.

El arte islámico tiene una cierta unidad estilística, debido al desplazamiento de los artistas, comerciantes, mecenas y obreros. El empleo de una escritura común en todo el mundo islámico y el desarrollo de la caligrafía refuerzan esta idea de unidad. Concedieron gran importancia a la geometría y a la decoración que podía ser de tres tipos.

    epigrafía . mediante versículos del Corán 

    alacería: mediante líneas entrelazadas formando estrellas o polígonos.

    autarique: mediante dibujos vegetales.

    En arquitectura, crearon edificios con funciones específicas tales como mezquitas y madrazas, siguiendo el mismo patrón básico, aunque con diferentes formas. Prácticamente no hay arte de la escultura pero las realizaciones de objetos de metal, marfil o de cerámica, alcanzan con frecuencia una alta perfección técnica. Existe también una sola pintura y una iluminación en los libros sagrados y profanos.

     En Francia ha sido prohibido el velo, el burka y el hyjab islámico, de manera que las mujeres musulmanas, no pueden aparecer en público con dichas ropas.

      La ley ha de cumplirse por tanto, debemos acatarlas, pero esto nos puede llevar a ciertas contradicciones, debido a que puede ocurrir que muchas mujeres, se vean privadas de salir a la calle por mor de sus maridos y padres quienes pueden hacer de sus casas una auténtica prisión.

      La integración de los inmigrantes  es muy importante sobre todo en los tiempos que corren, pero pienso que más que prohibir se debería de educar en los valores que tenemos en la sociedad occidental.

      En fin que no lo tengo del todo claro. Lo que no me gustaría que me ocurriese es como a aquel dibujante de cómics sueco que no puede salir de su casa, por haber criticado a Mahoma.

CINE DANÉS: EN CORTO O EN LARGO

El  cine danés ha vivido en las dos últimas décadas una época de resurgimiento y esplendor. Avalado por numerosos premios en festivales de prestigio, ha contado también con el apoyo del público y la crítica. Películas como “Bailando en la Oscuridad” y “Rompiendo las Olas”, ambas de Lars Von Triers, han podido verse durante largo tiempo en las salas españolas.

Fue de  Dinamarca desde donde  nos llegó lo que conocemos como Movimiento Dogma, manifiesto que recogía una serie de normas que habría que respetar rigurosamente a la hora de realizar una película .Entre ellas destacaban las de rodar cámara en mano, no utilizar luz artificial, no usar música a menos que esta se esté produciendo dentro de la escena, etc …. Con esto se pretendía hacer un cine en El que, según ellos, se encontraba la verdad profunda. Realmente lo que nos presentan son obras desnudas, carentes de adornos y efectos ópticos. Sólo se cuenta con el trabajo de los actores y la historia por sí misma  para sacar adelante los proyectos. En este contexto se produce “Celebración”,( Thomas Vinterberg) “Los Idiotas”( Von Triers) o “Mifunes” (Kragh-jacobsen). La primera, a mi entender la mejor de todas, es una comedia muy ácida llena de humor negro o bien un drama sobrecogedor en el que los personajes se lanzan puñales que nos van directos al corazón. La segunda es todo un ejercicio de provocación no apto para todos los públicos, donde se nos da una visión muy pesimista de la humanidad, y la última es una comedia agridulce, más fácil de ver, donde destacan momentos tan surrealistas como los propios personajes.

A destacar también dentro de este movimiento a la  realizadora Lone Scherfig con  “Italiano para principiantes” y “Wilbur se quiere suicidar”. Ambas son muy  grandes en esencia y muy sencillas en la realización, demostrando así que se puede hacer una gran película sin grandes despliegues técnicos ni económicos.

Pero no todo es dogma, aunque es evidente que este movimiento ha dejado huella en los directores más actuales. Cabe resaltar a Christopher Boe con “Reconstrucción”, película a priori nada fácil de entender pero que te agarra desde los primeros acordes musicales. A Anders Thomas Jensen con “Las Manzanas de Adam” , que nos plantea un tema como la irracionalidad de la fe, pero con grandes dosis de humor negro, o a Nicola Donato con la fantástica “Brotherhood”, película sencilla que nos habla de las contradicciones humanas . El trabajo de los actores es simplemente soberbio.

Esto es a muy grandes rasgos la aportación danesa al panorama cinematográfico, un cine diferente e intenso capaz de  mostrarnos lo mejor y lo peor de la condición humana.

Nos hacen reir, y mucho, cuando nos hablan de lo absurdo de la vida (“Un Hombre de verdad”, “El Jefe de todo esto”…) y de la misma manera  hace que nos sintamos incómodos si se nos muestra el lado  más negro y amargo de nosotros mismos (véase “El Arte de llorar” y “El Arte de Pensar negativamente”). Todo esto expuesto de una manera brillante y madura hace de este cine una buena alternativa al sobrevalorado cine americano y es que no se trata de autocomplacernos siempre, sino más bien de buscar otras opciones de ocio que a la postre van a resultar mucho más válidas.

                                                                Sevilla, Abril-2011

EL PRINCIPE FELIPE

CLAUDIO COELLO fue Nombrado pintor del Rey en 1683 , Coello realizó numerosos retratos de Carlos II, su madre Mariana de Austria y su segunda esposa, Mariana de Neoburgo. En todos ellos sigue modelos inspirados en el pintor Carreño con el que mantuvo una excelente relación. El retrato del rey Carlos II, de medio cuerpo es un lienzo sin acabar debido a su aire abocetado como se puede apreciar en el pañuelo o en el cabello del monarca. El aire velazqueño que adquiere el lienzo es significativo de la influencia que ejerció el sevillano en la generación de artistas que trabajaron en Madrid en el último tercio del siglo XVII. La pincelada empleada por Coello es rápida y empastada, destacando los toques de luz que aplica en la armadura.
   Su cara refleja los síntomas de la mezcla de la misma sangre,de sus padres. Decían que era un rey anodino al que sólo le gustaba jugar con un par de monos.
   A su muerte sin descendencia, produjo una guerra de secesión en donde las potencias emergentes de entonces se midieron bien por la casa de Hamsburgo o por la de los Borbones.
    Inglaterra tomó las plazas de Mahón y del Peñón de Gibraltar, en la que posteriormente sólo quedó a manos inglesas esta última.
    Hace una semana que hemos tenido el placer de que nos visite oficialmente el príncipe de Inglaterra y su consorte Camila.
     En la recepción oficiada por el príncipe Felipe y Letizia Ortiz, le recordó al inglés que debían de solucionar el problema BILATERAL que mantienen ambos estados en el tiempo.
     Aun no sabemos cómo saldrá el cuadro de Antonio López acerca del retrato de la Familia Real, pero si hemos de tener claro que el príncipe de Asturias habrá de salir con tenacidad y valentía.
     Por suerte tenemos banquillo en el relevo de la Casa Real.
    

AKI KAURISMAKI: EL HOMBRE QUE SURGIÓ DEL FRÍO

Aki Kaurismaki es un interesante director finlandés nacido en 1957. Autor de una gran filmografía, tiene una personalidad y una filosofía del cine poco convencional. Para  conocerlo bien habría que remitir al lector a las propias declaraciones realizadas por él mismo en los medios de comunicación durante los últimos años:

"Prefiero impactar a un único espectador que entretener a millones de personas", y es que sus películas no son aptas para todos los públicos. De una gran austeridad, Kaurismaki suele prescindir de casi todos los elementos propios del cine comercial, sus personajes  no suelen tener un físico hermoso (sus actores son casi siempre los mismos), los diálogos son escasos hasta el punto que el silencio llega a ser clave esencial y hasta protagonista imprescindible en su cine, (véase “La chica de la fábrica de cerillas”) y muchas de sus películas están rodadas en blanco y negro, toda  una osadía en la época del color y los efectos especiales. “La Vida de Bohemia”, “Juha” y “Hamlet se mete a hombre de negocios” entre otras, son claros ejemplos de ello.

 “Me gustan los perdedores porque soy uno de ellos” y es que es que todos sus personajes lo son. Gente desfavorecida socialmente qué lucha por sobrevivir en un mundo casi siempre hostil, personas solitarias y tristes, de miradas tan frías como la  propia ciudad de Helsinki. Es a través de ellos cuando se nos muestra una sociedad imperfecta, con un sistema social contra el cual el director arremete continuamente. Critica muy duramente a los bancos, a las leyes del mercado laboral, a la burocracia y a todo lo que impida dar a las personas la dignidad que se les ha arrebatado. Como ejemplo “Un Hombre sin Pasado” y “Nubes Pasajeras”.

“Hollywood lo odio. Soy un cineasta pésimo, lo admito, pero no hago mierda. Sus películas sí lo son”. Y es que a pesar tener el reconocimiento del público y de la crítica, y haber obtenido numerosos premios en festivales europeos (Cannes, Berlín, San Sebastian…), Kaurismaki muestra verdadera fobia a la industria americana y hace de esto, según él mismo, su única razón para seguir rodando. Fué nominado a un oscar y lo rechazó mostrando al mismo tiempo el desprecio más absoluto hacia la política de Georges Bush.

Pero no todo en este cine es desencanto o pesimismo, contra más duras son las cosas más fluye el humor, y las situaciones surrealistas que se van sucediendo arrancan la carcajada fácil del espectador, tal es el caso de “Agárrate el pañuelo Tatiana” o “Lenningrad Cowboys go Ámerica”. En la primera el personaje encierra a su madre bajo llave y se va de casa porque no le ha comprado café, y la segunda es una comedia disparatada y gamberra de principio a fín, que narra las peripecias  de un grupo  musical en gira, y que no dejará indiferente a nadie, guste o no.

Es importante destacar también la música, a menudo un personaje más que nos acompaña en la propia película, otras es usada simplemente como expresión de los sentimientos de los que no pueden manifestarse. De esta forma podemos oir  algo tan diferente como los tangos de Gardel (a veces traducidos al finés), rock americano, boleros, baladas rusas o heavy finlandés.

Así es a grandes rasgos el cine de este hombre que surgió del frío y que confiesa que ya no es capaz de rodar sin tener una botella en la mano y un cigarrillo en la boca. ¿Son sus personajes una prolongación de él mismo?

                                                                                              Sevilla, Abril-2011

VIDEO-INSTALACIONES

   Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte o museos de arte.

    Puede incluir cualquier medio desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como vídeo, sonido, ordenadores e internet, o inclusive energía pura como el plasma.

  Hace una semana que un tribunal europeo ha anulado el canon digital que como sabemos, una parte de lo que nos cuesta  un dvd, cd o ipod  va directamente a las arcas ya de por sí engrosada de la Sociedad General de Autores Españoles (SGAE)

   Su director el gran Teddy Bautistista, que cobra por mes la no despreciable cifra de 24.000 euros, nos hacía como en su canción del grupo de los  Canarios "ponernos de rodillas".

   Este canon es como si nos hiciese hacer pagar un folio en blanco por si en él creásemos una obra literaria y del que podríamos sacar pingües beneficios.

   Así pues, los artistas que generen instalaciones que utilizan el vídeo como medio ya pueden estar tranquilos y al menos una parte del precio de dicha instalación no irán a para a la malvada SGAE.

  

LA BELLA Y LA BESTIA, COUCTEAU O DISNEY?

Érase una vez un mercader que vivía feliz con sus tres hijas, hasta que las cosas empezaron a ir mal. Entonces el buen hombre decide realizar un viaje buscando mejorar su situación, pero es sorprendido por una tormenta y se ve obligado a refugiarse en un castillo…Así empieza el cuento de La Bella y La Bestia escrito en 1756 por la aristócrata francesa Madame Leprince de Beaumont, aunque para encontrar los verdaderos orígenes del cuento habría que remontarse al siglo XVI.


Mucho más actual y conocida es la película que realizan los estudios Disney en 1991, pero anteriormente se había rodado otra con actores. Se trataba de la versión del cineasta y poeta francés Jean Cocteau y corría el año de 1946. Siendo ambas bastante fieles a la obra original, ambas son muy diferentes en esencia y en planteamiento.

Para entender una y otra hay que destacar entre cine puramente artesanal y cine industrial, y a partir de aquí diferenciaremos también el público al que ambos van dirigidos. Mientras Disney realiza algo que gustará a todos, la película de Cocteau se dirige a alguien que valora y selecciona lo que va a ver. Esta es la obra de un verdadero y polifacético artista en toda la extensión de la palabra, él fue guionista y director, y el actor principal, Jean Marais, fue durante largo tiempo su compañero de vida. Por el contrario, lo que nos llega de la citada factoría, y sin menospreciar la calidad, no es más que una buena película de dibujos animados, un producto de consumo de masas.

En el comienzo de la obra, el mismo director nos invita a volver a la infancia para recuperar la magia y la ilusión que esta etapa de la vida nos ofrece, y partiendo de aquí poder adentrarnos en una historia donde realidad y sueño van de la mano. Visualmente es impactante, todo es mágico y profundo y todo se desarrolla en un ambiente tenebrista, de decorados barrocos donde destaca la figura de la bestia, de tal manera, que ésta llega a trascender la pantalla gracias a un logradísimo maquillaje. Realmente llega a dar miedo. La música de Georges Auric no puede ser mas acertada, ya que resalta de forma extraordinaria toda esa atsmófera surreal en la que transcurre el cuento, gustando así por igual a melómanos y amantes del cine.

En cuanto al mensaje, hay que decir que en ambas películas es el mismo, es una lección moral, que tanto el público infantil como el adulto, entienden fácilmente: quién y qué somos, y cómo nuestra propia naturaleza está por encima de las apariencias. Tal como Bestia le dice a Bella: “hay hombres apuestos que son verdaderos monstruos en su interior”. Pero mientras en una lo vemos como algo lleno de verdad y poesía, en los dibujos hay una carga de sentimentalismo excesivo, un merengue empalagoso común a toda la obra Disney, es decir, hay que llegar al mayor número de públicos posible, se trata de hacer dinero por encima de cualquier consideración artística cómo en todo cine industrial.

En definitiva hay que ver La Bella y La Bestia, versión francesa, hay que disfrutar de este mundo irreal, de este sueño con personajes reales donde también se hace un homenaje al Arte en todas sus facetas, es lo que nos ofrece el poeta que hace cine.

Sevilla, Marzo-2011

Nota: La película está íntegra en youtube, basta seguir los capítulos.

GUERRA, GUERRA

   Son muchos las obras de arte que han intentado la denunciar  la inmundicia que supone los conflictos armados.
  Desde Delacroix hasta Picasso, ratifica estos hechos luctuosos.
  Hace una semana que el Comité de Seguridad de  las Naciones Unidas, apoya una intervención armada sobre el dictador Gadafi, que está masacrando a su pueblo.
  Ha de hacerse constar que hasta hace unos meses Libia, con su presidente a la cabeza era representante de los Derechos Humanos en las Naciones Unidas.
   Cuando ocurre esto, me acuerdo de lo que decía el presidente francés Charles de Gaulle.
       " En materia de relaciones exteriores no tengo ni amigos ni enemigos sino más bien intereses".
   De no tener Libia petróleo o gas natural, resulta evidente que esta masacre nos pasaría desapercibido, tal como ocurre en países como El Chad,  Somalia, Qatar, Cuba, China, o en el mismo Marruecos.
  Consideramos que tanto Sarkozy, Zapatero, Obama o Cameron, tienen unos intereses más económicos que humanitarios y que en algunas ocasiones lo que pretenden es ganar alguna elecciones que otras.
  De todas formas los artistas estaremos atentos y denunciando esa barbaridad que significan las dictaduras, así como los asesinatos que éstas realizan.

CINE FRANCÉS: LUMIÉRE Y COMPAÑÍA

Francia ha sido siempre un referente cultural en Europa. País de arraigada tradición artística, se ve convertida también en capital del cine cuando los hermanos Lumiére logran proyectar las primeras imágenes animadas en las que se muestran a unos obreros a la salida de la fábrica Lumiére. A partir de aquí y hasta el momento actual, el cine francés no ha hecho más que crecer y desarrollar una industria cinematográfica de gran calidad, para mí de las más interesantes de Europa.


Pero qué es lo que hace grande al cine francés? Sin duda la calidad de los directores que dejan su impronta en películas inolvidables que podemos visionar hoy en día sin que éstas hayan perdido un mínimo de encanto. Entre ellos se encuentra Jean Renoir, hombre clave en la historia de este cine, por sí mismo y por las posteriores influencias que ejercerá sobre aquellos que formaran después la Nouvelle Vague, y muy especialmente en Truffaut. “La Regla del juego” y “La gran Ilusión” entre otras, son obras maestras llenas de vida y humor, de sátira y de compromiso personal, de sabiduría y buen hacer. Desde aquí le declaro a este genio mi amor incondicional.

En los sesenta aparecen directores como Godard, Truffaut o Rhomer, que ante una necesidad de renovar el panorama cinematográfico nos ofrecen películas que sentaran las bases del cine moderno. Es lo que ellos llaman cine de autor.

De Eric Rhomer nos llegan obras como “La rodilla de Claire”, “Pauline en la playa”, sus “Cuentos morales” y muchas más. Todo en su obra es sencillo, cercano, claro y cotidiano y a la vez tremendamente espiritual. Ver una película suya es observar la vida desde una butaca en una sala de cine, toda una experiencia muy aconsejable.

Truffaut es autor de una de las mejores películas de la época: “Jules et Jim”, hermoso poema de amor y pasión con una actriz de raza como Jeanne Moreau.

Y echando ya una mirada al panorama más actual destaco la figura singular de Arnaud Desplechin, y dos de sus películas, “Cuento de Navidad” y “Reyes y Reina”. Ambas muy intensas, llenas de diálogos, situaciones disparatadas y grandes dosis de humor negro. La segunda termina con uno de los epílogos más bonitos vistos por mí en una pantalla.

Para terminar, y dejando atrás una lista interminable de grandes directores

daré unas claves que son comunes a todo el cine galo:

-la comida: no hay película que se precie en la que los personajes no se sienten varias veces a la mesa. La cultura culinaria como marco idóneo para desarrollar dramas y situaciones en el cine francés.

-los personajes hablan y hablan sin parar, debatiendo siempre sobre lo humano y lo divino.

-los niños son pequeños adultos, siempre tienen un peso específico grande y sorprende la madurez que muestran.

Todo esto y respecto al cine es lo que nos ofrece la culta, cínica y bienpensante Francia.



Sevilla, Marzo-2011

VIVIR RODANDO

A lo largo de toda la historia del cine hemos visto como se han tratado multitud de temas y de todas las maneras posibles, pero si hay un tema recurrente y fascinante para todos los amantes del séptimo arte, ese ha sido el cine como tema principal.

. Directores como Billy Wilder en la ya legendaria "Crepúsculo de los dioses" (1950), hasta Woody Allen en su hermosísima "La Rosa Púrpura del Cairo" (1985), han tratado el tema en sus películas. En la primera asistimos al retrato tremendo e inquietante de un Hollywood que lucha por recuperar su esplendor, donde las estrellas no se resignan al paso del tiempo y donde los estudios cinematográficos ejercen una cruel tiranía, creando grandes estrellas y reduciéndolas a la vez a la nada mas absoluta. En la segunda el director hace un desdoble de la película dentro de la película, algo que ya hizo Cervantes en la segunda parte del Quijote, cuando este llega a Barcelona y el personaje se encuentra a si mismo precedido por la fama y difusión de la novela, por lo que ocurre el primer desdoblamiento temporal en la historia de la literatura. Así mismo, en la película el personaje se desdobla entre la pantalla y la sala de cine, no pretendiendo ser real porque su naturaleza tanto en uno y otro ámbito es siempre cinematográfica. En el Quijote igualmente, la naturaleza de ese personaje es literaria y nunca real. Tampoco hay que olvidar a Federico Fellini en su ya mítica "Ocho y Medio" (1963). Aquí se nos muestra a un director en pleno proceso creativo y el conflicto en el que entra con la realización de la película y de su propia vida, marchando las dos al unísono hasta hacerse semejantes, de manera que la culminación de la película también implica la clarificación de su vida.

Destacar también a Truffaut en "La Noche Americana” (1973). Narra aquí las historias y vicisitudes que tienen lugar dentro de un rodaje, así como las relaciones entre los miembros del equipo. Todas ellas son un maravilloso homenaje al cine.

. En esta lista de películas no puede faltar "Cinema Paradiso"(1988) del italiano Giuseppe Tornatore, y que nos cuenta la historia de un niño que crece amando las películas (es una autentica declaración de amor al cine) y la influencia que esto puede tener en su propia formación como persona.

. ¿Y es que quien no ha soñado alguna vez con traspasar la pantalla y adentrarse en las historias y ser alguno de los personajes que se nos muestran? sin duda es en muchos casos algo mas fascinante que la realidad que nos rodea.

El cine es magia, ilusión, luz, sentimientos, consciencia social y en definitiva placer, tanto como espectadores haya.


Mas reciente tenemos otra historia de cine dentro del cine, “Vivir Rodando” (Tom Dicillo, 1995), que sin llegar a la altura de las obras anteriores me parece acorde citarla porque nos cuenta de manera divertida que hacer cine no es tan divertido como pudiera parecer, y que horas y horas de trabajo puede truncarse en segundos, y ese fantástico universo que nos pudiera parecer un plató de cine puede convertirse en un auténtico infierno.



Por último termino con una recomendación, una película que se hizo para celebrar el 60 aniversario del Festival de Cannes. Se trata de “Chacun son Cinéma”, (a Cada Uno Su Cine, 2007) donde 35 directores de diversas nacionalidades realizan un corto de aproximadamente 3 minutos siendo común para todos el tema principal, algo tan grande como el propio CINE.



SEVILLA, MARZO-2011

RENACIMIENTO Y ARTE

    Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas.

    El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.

  Así pues el hombre estaba considerado como centro del mundo, dejando atrás el concepto de dios como centro del universo.

  Hace una semana que ha tenido lugar un tsunami y un terremoto en Japón que ha alcanzado un nueve sobre diez en la escala Ritcher.

  Son ya casi 10.000 víctimas entre  muertos y desaparecidos, aparte de la posible catástrofe nuclear que supone la central eléctrica de  Fukushima.

   De nuevo la naturaleza nos pone en nuestro sitio. Somos un punto más en el orden aleatorio que es nuestro complejo planeta.

   Si la naturaleza quiere seguiremos existiendo, y de no ser así, por mucho que nos empeñemos las obras maestras de Leonardo, Miguel Ángel o Rafael, serán nada, aunque su intención fueran ser el centro del mundo.